|
Картины. Русское искусство XVIII века
 Иван Никитич Никитин. НАПОЛЬНЫЙ ГЕТМАН (МАЛОРОССИЯНИН). 1720-е гг. Холст, масло. 76 Х 60.
Государственный Русский музей.
Многие годы это изображение пожилого усталого человека с обветренным загорелым лицом, в кафтане, напоминающем одежду казаков, считалось портретом одного из гетманов петровского времени. Недавно возникла новая версия. Н. Н. Молева высказала предположение, что традиционное, идущее еще от Х века название ,,Напольный гетман” (что расшифровывалось как начальник полевых войск) произошло от строчки в старой описи: Гетман наполно неоконченный”, то есть незавершенный художником. Однако большинство специалистов не приняло эту версию. Но кто бы ни был изображен на портрете, это произведение И. Н. Никитина поражает широтой живописи, удивительным для русского искусства начала Х века психологизмом, простотой и значительностью. Перед нами одно из последних дошедших до нас произведений замечательного художника, который в темные времена бироновщины был осужден и сослан в Сибирь.
В 1762 году передан из Зимнего дворца в Академию художеств, а оттуда в Русский музей при его основании.
 Андрей Матвеевич Матвеев. АВТОПОРТРЕТ С ЖЕНОЙ. 1729 г. Холст, масло, 75,5 Х 90,5.
Государственный Русский музей.
Хотя картина написана уже после смерти Петра I, но в ней чувствуется дух петровского времени, новое понимание значения человеческой личности. Перед нами первый автопортрет в русской живописи. Молодое, смелое, полное жизни и энергично вылепленное лицо художника А. М. Матвеева (1701—1739 гг.), пионера нового искусства, убеждает нас в том, что такому человеку было под силу руководить огромными монументальными работами в растущей на берегах Невы столице. Образ жены художника отличается лиризмом и мягкостью.
В композиции есть некоторая искусственность, но она искупается непосредственностью, простотой и чувством собственного достоинства этих первых представителей новой русской интеллигенции.
Живопись Матвеева широка и свободна (надо, правда, иметь в виду, что портрет неокончен), теплый тон теней обеспечивает согласованность всего колористического решения.
Поступил из Академии художеств в 1923 году; принадлежал сыну художника В. А. Матвееву; передан последним Академии художеств в 1808 году.
 Иван Яковлевич Вишняков. ПОРТРЕТ С. -Э. ФЕРМОР. Между 1745 и 1750 гг. Холст, масло. 138Х 114,5.
Государственный Русский музей.
Опытному художнику-декоратору И. И. Вишнякову (1699—после 1761 г.) в области станковой живописи лучше всего удавались детские образы. Оставаясь в рамках моды своего времени, не нарушая стилистики парадного портрета рококо, он умел наполнить изображения детей теплым чувством, показать непосредственность ребенка. Так и в этом лучшем его произведении мы встречаемся со всеми атрибутами рокайльного репрезентативного портрета. Однако занавес, парапет с колонной и огромный роброн у Вишнякова подчеркивают грациозность десятилетней девочки, а манерный светский жест воспринимается как ребяческое кокетство. Условный пейзаж с тонкими деревцами перекликается с изобретательно разработанным линейным цветочным узором на платье и вторит нежному и трогательному образу маленькой придворной ,,дамы”.
В Русском музее хранится и парное к нашему изображение мальчика в нарядном костюме. Эти дети — Сарра-Элеонора и Виллем — были хорошо знакомы художнику. Их отец, граф В. В. Фермор, генерал-аншеф и участник Семилетней войны, стал затем начальником Канцелярии от строений, где и работал ,,живописным мастером” Вишняков.
Приобретен для Русского музея из собрания Н. П. Альбрехта в 1907 году.
 Алексей Петрович Антропов. ПОРТРЕТ А. В. БУТУРЛИНОЙ. 1763 г. Холст, масло. 60,3 х 47.
Государственная Третьяковская галерея.
В творческом наследии А. П. Антропова (1716—1795) наибольшей правдивостью и выразительностью отличаются портреты сановных и богатых русских барынь:
А. М. Измайловой, М. А. Румянцевой и А. В. Бутурлиной. Его дарованию, склонному к суровому реализму и чуждому льстивости, лучше всего отвечали не юные придворные красавицы, а острохарактерные лица пожилых женщин, проживших долгую и сложную жизнь. Портрет Бутурлиной отличается особым лаконизмом композиционного и колористического решения. Поместив свою модель в темной накидке на темном фоне, художник программно отказывается от всех атрибутов и украшений, которые могли бы отвлечь внимание от лица усталой и отягощенной нелегкими думами женщины. Складки у глаз и рта, обрюзгшие щеки, высоко, как будто удивленно поднятые брови уверенно прорисованы и написаны мастером.
Этот портрет с особой наглядностью показывает и связь Антропова с национальной традицией, я важность завоеваний в реалистической трактовке образа человека.
Поступил из Национального музейного фонда в 1920 году; до того был в собрании П. П. Рябушинского в имении Александровское.
 Антон Павлович Лосенко. ПРОЩАНИЕ ГЕКТОРА С АНДРОМАХОЙ. 1773 г. Холст, масло. 155,8Х211,5.
Государственная Третьяковская галерея.
для своей последней картины А. П. Лосенко (1737—1773) выбрал сюжет из шестой песни ,,Илиады” Гомера. Перед уходом на битву за родную Трою Гектор прощается со своей женой Андромахой и сыном. Эта тема не случайна для художника, стремившегося в живописи выражать высокие идеи гражданственности и патриотизма. долг побеждает любовь к близким, и Гектор, отвергая мольбы жены, просит у богов только мудрости, мужества и славы для своего маленького сына.
Лосенко тщательно разрабатывает композицию, проверяет каждый жест, каждое движение. Уроки классицизма помогли художнику ясно и величественно организовать большое полотно. Главные герои выделены светом и вписаны в классический треугольник, второстепенные персонажи размещены полукругом. Барельефность композиции не дает действию развиваться в глубину, основные события происходят на просцениуме и приковывают внимание зрителя. Современники Лосенко прекрасно понимали его искусство, о его картинах писали: ,,Видя одни черты только, мы угадывали чувствования их и слышали, кажется, разговоры”. К сожалению, Лосенко не смог закончить эту картину — работу над ней оборвала екоропостижная смерть.
Поступила из Ленинградского музейного фонда в 1924 году, до того была в собрании Академии художеств.
 Семен Федорович Щедрин. КАМЕННЫЙ МОСТ В ГАТЧИНЕ У ПЛОЩАДИ КОНЕТАБЛЯ. 1799— 1801 гг. Холст, масло 256 Х 204.
Государственная Третьяковская галерея
Поздние гатчинские виды Семена Щедрина (1745 — 1804) — высшее достижение русской монументально декоративной пейзажной живописи. С большим колористическим мастерством они объединяются мягкой, тонко разработанной гаммой теплых тонов Крупные массы пушистых деревьев на первом плане определяют картинную плоскость и удачно подчеркивают вертикальность всей композиции Реальная архитектура, изображенная с не меньшим, чем в трактовке природы, лирическим чувством, сообщает этим декоративным пейзажам конкретность определенного уголка гатчинского парка. Фигурки всадников и прогуливающихся дам и кавалеров не только сюжетно оживляют полотно, но и служат необходимыми цветовыми акцентами. Спокойное, ясное мироощущение, идилличность пейзажа тоже гармонируют с декоративным назначением этих панно. Ц
Серию гатчинских видов, к которой относится и данный пейзаж, заказал Щедрину покровительствовавший ему Павел I, и она должна была украсить залы Михайловского замка.
Поступила из Дворца музея в Гапчине в 1931 году.
 Иван Фирсов. ЮННЫЙ ЖИВОПИСЕЦ. Вторая половина 1760-х гг. Холст, масло. 67 Х 55.
Государственная Третьяковская галерея.
П. М. Третьяков купил эту картину у коллекционера Н. Д. Быкова с подписью Лосенко. В дальнейшем было установлено, что подпись фальшивая, а картина написана одним из самых загадочных художников XVIII века Иваном Фирсовым (род. ок. 1733— ум. после 1784). Постепенно, в результате усилий нескольких поколений исследователей стал вырисовываться жизненный и творческий путь этого первого русского жанриста. Теперь с большой степенью вероятности можно предположить, что эта кар тина написана художником в Париже, где на него произвели глубокое впечатление жанры Шардена, Леписье, Перроно и Грёза.
Мальчик в мундире ученика Академии пишет портрет маленькой трогательной девочки в скромной небольшой комнате. Атмосфера серьезности, труда, моральной чистоты дорога Фирсову, и он с искренней теплотой передает интерьер, ясно и свободно располагает в нем своих персонажей и предметы, заполняет комнату мягким светом. Простой будничный мотив оказывается исполненным подлинной поэзии. Лиризм картины усиливается неяркой, но тонкой цветовой гаммой, где доминируют зеленовато серые и розовые тона. Возможно, что именно в такой обстановке жили и работали русские пенсионеры в Париже.
Приобретен П. М. Третьяковым у Н. Д. Быкова в 1883 году.
 Федор Степанович Рокотов. ПОРТРЕТ В. И. МАЙКОВА. Ок. 1765 г. Холст, масло. 60 х 47,8.
Государственная Третьяковская галерея.
Это произведение Ф. С. Рокотова (1735/36—1808) иногда называют первым психологическим портретом в русской живописи. Острота и полнота характеристики, проникновение в духовную суть изображаемого человека, умение не ограничиться передачей внешнего сходства заметно выделяют этот шедевр раннего Рокотова среди портретов того времени.
В. И. Майков принадлежал к просвещенной московской дворянской интеллигенции, е которой сблизился молодой художник. Помощник московского губернатора, барин - эпикуреец, Майков был и способным литератором — его поэмы получили впоследствии высокую оценку Пушкина.
Скупыми средствами Рокотов дает убедительную характеристику этого яркого и многогранного человека. Темпераментно и в то же время, мягко вылепленное лицо дышит уверенностью и самодовольством. Ироническая улыбка трогает румяные губы сибарита и гурмана, проницательный взгляд светится умом.
Хотя живописная виртуозность здесь не является самоцелью, нельзя не восхищаться мастерством, с которым Рокотов сумел сгармонизировать дополнительные цвета зеленого кафтана и шитых золотом красных отворотов, использовав объединяющий золотистый тон просвечивающего подмалевка. В последующие годы характер творчества Рокотова изменился, и портрет Майкова остается его лучшим созданием 1760-х годов.
Приобретен Советом Третьяковской галереи у А. А. Майковой в Петербурге в 1907 году.
 Федор Степанович Рокотов. ПОРТРЕТ В. Н. СУРОВЦЕВОЙ. Вторая половина 1780-х гг. Холст, масло. 67,5 х 52 (овал).
Государственный Русский музей.
Хранящиеся в Русском музее парные портреты В. ТТ. Суровцевой и ее мужа— прекрасный образец зрелого, изощренного живописного мастерства Ф. С. Рокотова. Художник подчиняет форме овала не только всю композицию, но и плавные, гибкие, круглящиеся движения кисти. Ему с удивительным благородством и тактом удается объединить в одно колористическое целое серебристые и пепельные тона прозрачной ткани, нежно-розовый цвет распустившегося цветка, фисташковые оттенки лент, теплые тона напудренных волос и лица молодой женщины.
Легкость, воздушность живописи дает возможность художнику создать атмосферу эадумчивости, тончайшие переливы цвета передают едва уловимые, но разнообразные и богатые нюансы чувств. Четкость характеристики, знакомая нам по портрету Майкова, здесь уступает место погруженности в душевный мир человека. Рокотов теперь не проницательный аналитик, а мечтатель, увлеченный духовной красотой и женственной прелестью своей модели. Недаром впоследствии возникло понятие рокотовского типа женского лица, включающее в себя глубину чувств, обаяние мягкости и доброты и то ощутимый, то ускользающий оттенок грусти.
В Русский музей поступил из собрания А. С. Танеева в 1917 году.
 Дмитрий Григорьевич Левицкий. ПОРТРЕТ М.А. ДЬЯКОВОЙ. 1778 г. Холст, масло. 61 Х 50.
Государственная Третьяковская галерея.
Самой привлекательной частью творческого наследия д. Г. Левицкого являются камерные портреты. Особенно ему удавались изображения людей, с которыми его объединяла духовная близость. М А. Дъякова была душой известного державинского кружка”, куда входили связанные с художником дружескими отношениями самые талантливые и передовые люди его времени. Умной, жизнерадостной и очаровательной девушке было посвящено немало стихов членами этого кружка. За одного из них — архитектора, поэта и теоретика Н. А. Львова — она тайно, против воли родителей вышла замуж, проявив незаурядную по тем временам смелость.
Характер модели побудил Левицкого написать этот портрет с особой свободой и темпераментом. Здесь все динамично, все в движении: и непринужденный поворот головы, и скользящие жемчужные тени, и быстрый мазок, то пастозный, то прозрачный, позволяющий почувствовать фактуру холста. Чистоте и живости девушки соответствует и светлый, праздничный колорит портрета, где в гармоничное целое сливаются зеленые, оливковые и розовые тона.
В Третьяковскую галерею поступил из Румянцевского музея в 1925 году.
 Дмитрий Григорьевич Левицкий. ПОРТРЕТ П. А. ДЕМИДОВА. 1773 г. Холст, масло. 222,6 Х 166.
Государственная Третьяковская галерея.
Владелец уральских заводов, баснословный богач Демидов был сложным и противоречивым человеком. Чудак и самодур, он в то же время считал себя последователем Руссо, зачитывался его Эмилем” и жертвовал огромные суммы на воспитание и образование молодого поколения. Этот портрет, в частности, написан для построенного на деньги Демидова воспитательного дома, который виден на заднем плане.
д. Г. Левицкий (1735 — 1822) с присущей ему проницательностью уловил своеобразие личности Демидова, парадоксальность натуры которого определила двойственный характер произведения. С одной стороны, это типичный для Х века парадный портрет, репрезентативный и театральный. Но обрюзгшая старческая фигура Демидова облачена в домашний халат, он опирается на простую садовую лейку, на столе рядом е каталогом растений лежат луковицы цветов. Торжественный жест руки указывает на горшки с цветами, а во взгляде усталых глаз и в слабой улыбке запавших губ явственно проступает горечь. Так парадный портрет у Левицкого приобретает психологическую глубину и интимность.
Поступил из Государственного Русского музея в 1930 году; до того был в собрании Коммерческого училища в Петербурге в 1917 году.
 Дмитрий Григорьевич Левицкий. ПОРТРЕТ Е. Н. ХРУЩЕВОЙ И Е. Н. ХОВАНСКОЙ. 1773 г. Холст, масло. 164 Х127.
Государственный Русский музей.
С 1773 по 1776 год д. Г. Левицкий пишет серию больших, в рост, портретов воспитанниц Смольного института для благородных девиц. Эта серия превратилась в блестящий декоративный ансамбль, ставший важным событием в русском искусстве. Эффектная зрелищность — смольнянки представлены в театральных костюмах на сценических площадках и на фоне живописных кулис — соединяется здесь с жизненностью и поэтичностью. Грациозность движений и поз, изысканность силуэтов, очерченных певучей линией, приобретают особую музыкальность благодаря бесконечной нюансировке колорита, выдержанного в характерной для декоративной живописи того времени серовато-розовой и оливковой гамме. Виртуозно передает художник цвет, фактуру и прозрачность кружев, шелка и парчи, любовно выписывает нежные девичьи лица и руки.
Вся серия под кистью Левицкого становится прославлением юности, но одновременно каждый портрет представляет собой и самостоятельное произведение, где эта основная тема решается индивидуально, в соответствии с характером модели. Хованская задумчива и мечтательна, нежность ее натуры находит отклик в непревзойденном по живописному богатству, тончайше разработанном цвете ее наряда. Одетая пастушком Хрущева живей, энергичней и веселей своей подруги. Сквозь театральное жеманство жестов пробивается непосредственная радость молодости.
Поступил из Петергофского дворца в 1917 году.
 Степан Семенович Щукин. ПОРТРЕТ ПАВЛА I. 1796 г. Холст, масло. 248 Х 163.
Государственная Третьяковская галерея.
Это классическое парадное изображение Павла I стало одним из самых глубоких психологических портретов в русской живописи XVIII века. Успех С. С. Щукина (1758 — 1828) тем ценнее, что характер Павла был крайне сложен и противоречив. Горделиво поднята голова в большой треуголке, полон властности жест руки, опирающейся на трость. И в то же время художнику удалось придать самовлюбленности и горделивости Павла ясно ощущаемый оттенок маниакальности; в узкоплечей его фигуре, несмотря на надменность позы, чувствуются болезненность и слабость, во взгляде видна глубоко запрятанная тоска человека, страдающего комплексом неполноценности и обязанного скрывать его под мнимой уверенностью и сумасбродством.
Великолепна живопись портрета, выдержанного в благородной серой гамме, скульптурно вылеплено лицо Павла. В июле 1797 года за эту картину, которую ему потом пришлось неоднократно повторять, Щукин был признан академиком.
Поступил из Ленинградского музейного фонда (собрание Академии художеств) в 1924 году.
 Владимир Лукич Боровиковский. ПОРТРЕТ М. И. ЛОПУХИНОЙ. 1797 г. Холст, масло. 72Х53,5.
Государственная Третьяковская галерея.
Портрет М. И. Лопухиной нередко называют самым поэтичным созданием В. Л. Боровиковского (1757 — 1825). Можно, пожалуй, даже оценить его как высшее достижение сентиментализма в русской живописи. Присущие этому направлению культ естественности, нежных чувств, стремление слиться с природой выражены здесь с особой полнотой. В портрете все в согласии, в гармонии друг с другом: тенистый уголок парка, васильки среди колосьев спелой ржи, увядающие розы, непринужденная поза молодой женщины, простое платье, свободно облегающее ее стан, и, конечно, исполненное удивительного очарования прелестное лицо. В утренней свежести кожи, в томности взгляда, в мечтательной улыбке, даже в некоторой неправильности черт Лопухиной есть подлинная красота, красота душевная и лирическая, присущая русским женщинам. Столь же эмоциональна и прозрачна и живописная техника Боровиковского. Кисть легко касается холста, окутывая все воздушной дымкой, тонкие текучие слои краски, тем не менее, с большой пластичностью формируют объемы, распределение переходящих один в другой цветов подчиняется элегическому музыкальному ритму.
Приобретен П. М. Третьяковым между 1885 — 1890 годами. |
